「癒される」
「しあわせな気持ちになれる」と世界各国で人気のラウル・デュフィ。
1900－1950年代に活躍した、フランスの画家だ。
「クロード・ドビュッシーへのオマージュ」1952年。
彼の画業が集大成した時期の作品。
最晩年には、関節の持病のため色彩がシンプルになるなど、
もしかしたら本人には不本意な、作風の変化が見られたが、
パリ万博が開かれた1930年代をピークとして、広く世界に評価され、
勲章を受けたりもして、
非常に順風満帆なアーティスト人生のように、私の目には映る。
1900年ごろ
パリ国立美術学校の生徒だったデュフィは、最初こそ、
やや明度の低い、北ヨーロッパっぽい風景画を、典型的な印象派の技法で
描いていたが、
1903年に地中海を訪れてから一気に、デュフィらしい明るい色彩が
キャンバスに花開く。
左上から時計回りに、シニャック、ゴーギャン、ブラック、セザンヌ。
そしてなんといってもマティス。
これら実力派の画家たちの作風に、次々と影響を受け、
“すくすくと育った” そんな印象を、展示の序盤では受けた。
デュフィが大成したもう一つの要因と私が考えるのは、
その「デザイン力」だ。
1920年ごろから、版画や、テキスタイルのデザインに携わるようになるのだが、
とにかく、センスがいい。というか、
「人気の出る構図」がわかっている人、という印象。
（この点ではアルフォンス・ミュシャと共通しているかも）
引きあいに出して申し訳ないけれど、同じパリの画家でも、
この間観たヴァロットンには、上の木版のようなデザイン性は、ない。
（でも、ヴァロットンの木版には別の魅力があることは確かだ）
デュフィの人柄はわからないけれど、
当時のアートシーンにおいて、何が人を惹きつけるか、
直截的に言えば何が売れるか、が、自然とわかっていた人だったのではないだろうか。
なにしろ、歴史的には二度の世界大戦を、直接間接の別はともあれ
経験しているはずなのに、“その影”が少なくとも今回の展示では
見当たらなかった。
デュフィが自身のスタイルを確立し、
イマ風にいえばスターダムを駆け上らんとした1920－30年代。
かたやドイツでは。
左がゲオルゲ・グロッス「扇動者」（1928年）。
風刺の対象はもちろん、ナチスだ。
グロッスは33年、ヒトラーから逃れて米国へ渡る。
（タッチの差で、殺されずにすんだらしい）
右は、カンディンスキー「下部構造」（1933年）。
ダイレクトに体制を批判した絵ではないが、
1910－20年代に象徴的だった、構図の深みがない。
キャンバスの浅いところですべて、構成されており、色彩も暗い。
ご存知の人もいるかも知れないが、1932年にはデッサウのバウハウスが閉鎖に
追い込まれ、
カンディンスキーも翌年、ドイツを去る。
そんな中、デュフィは
「ニースの窓辺」（1928年）
青く穏やかな海と空……。
「青」は色調が変わっても、その個性をあらわす唯一の色、と
デュフィは言ったそう。
グロッスはダダイズムだし、カンディンスキーは構成主義、
それぞれ哲学や立ち位置が違うとはいえ、
どうしてこんなに違うのか。
きっと、1930年代の世界を天気図で例えると、
パリのあたりだけ晴れていたんだろうなぁ、なんて、
およそアカデミックでない推論をめぐらす。
今の日本だって、いろんなことがあるけれど、世界を天気図で例えれば
まだまだ、晴れている方なのだろう。
今回の展示で、私がイチバン「これ、好き！」と気に入った絵は
「ヘンリーのレガッタ」（1933年ごろ）
小さ目の作品だし、何がどういいのか、上手く説明できないけれど、
デザイン性も色彩も、筆の勢いも、とても好きだ。
何も考えず、第一印象で選んだのだが、
1933年ごろの作品、というのが……。
近代絵画に関して、今まで、大戦とその影響という視点で観てきた自分には
これ以上の皮肉はない、と、
思わず苦笑いしてしまった。
※ラウル・デュフィ展の会期は終了しています。
早々に恐縮です、ありがとうございます。
