デジタルとアナログ 最終回

(写真は、YAMAHA EOS B2000。1998年発売。小室哲哉プロデュースのシンセで、鍵盤のすぐ上にある8つのパッドにサンプリングして、効果音的に音を出すことができた。私の教えているレッスン会場では今も現役で、音、使い勝手両方にすぐれたキーボードだ。スピーカー搭載で重いのが難点)


「デジタルとアナログ」も今回で、終わりですが、
　書き出すと、いろんなことが、思い浮かんで、
　結局、全６回になってしまいました。


　デジタル・オーディオの特徴としては、

「リミットがある」

　というのもあげられるでしょうか。


　なるべく大きな音で入力する方が音がいい、
　というデジタルの特徴があるんですが、
（極小音量では歪んでいるという説もあります）
　音の容量と言いますか、大きさには、
　リミットがあります。

　なので、ピーク成分（急に音が大きくなる部分）を
　コンプレッサー、リミッターなどで押さえて、
　なるべく大きな音になるように音を入れます。

　マスタリング、という言葉を聞いたことがありますか？

　CDを作る時の最終段階なんですが、
　ここでも、そういう処理が行われます。

　最近は、マスタリング技術が発達してきているので、
　CDの音量がどんどん大きくなっています。

　2000年以前に発売されたCDと
　最近のCDを聞き比べてみると、
　あきらかに、音量が大きくなっているのがわかると思います。

　ただ、こういう処理（トータル・コンプと言います）を
　しすぎると、音が平坦で、聴いていて疲れることになります。


　では、アナログはどうだったかというと、
（もちろん、コンプレッサー処理もあったのですが
　ピークを完全に押さえるのは難しかったようです）
　レコードなどでは、溝を掘っていく時に、

　大きな音の時には、溝が大きくなるので、幅をとって、
　小さな音の時には、溝が細くなるので、つめて掘る

　みたいな職人技で、作られていたんですね。


　テープなどでは、過大入力があると、　
　自然にコンプレッサー的に音を抑える効果があって、
（これをテープ・コンプと言います）
　それが、自然な歪みと相まって、
　音楽にパワー感を与えていました。

　そして、デジタルになって、気づいたことは、
　
「ノイズと歪みが大事」

　ということです。

　アナログ時代は、なんとか避けよう、避けようとされていた
　この二つの問題児が、
　実は、音楽にパワーを与えていた、というのが、
　そういうものがほとんどないデジタルを通って、
　わかってきたわけです。


　アナログ時代は、
　デジタル、というハイファイを目指していたのですが、
　今は、
　アナログの風味をデジタルが真似しようとがんばっている。

　そんな、皮肉なことになっています。


　ありきたりな言葉で終わりますが、

　音楽は、音は、深いです。



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デジタルとアナログ その5

（写真は、AKAIのサンプラー、S1000。ようやく手の届く、と言っても数十万、特に、メモリーがやたら高かった。フロッピーが標準なので、ロードに時間がかかった。）


　アナログとデジタル、
　どちらが音がいいかと言われれば、
　これも難しい問題で、
　けれど、同じ値段なら、
　デジタルの方がよく聴こえるんじゃないかと思います。


　それよりも、大きな違いは、

「質感」

　です。


　私もデジタルレコーダー以前は、
　マルチトラックのオープンテープを使って、
　音楽制作をしていましたが、
　例えば、ギターなどは、
　テープで録った方が、音が深くて良い音になります。

「味わいある音」

　とでも言うのでしょうか、
　これは、アナログシンセとデジタルシンセの違いでもあると思うのですが、

「なんだか、味わいのある音」

　になるんですね、アナログは。


　アナログしかなかった頃は、
　その音の変化がイヤで、
　デジタルがでてきて、
　最初に、DAT（デジタルオーディオテープレコーダ）を使った時は、
　感激したものです。

　けれど、その音の変化する良さというものが、
　デジタルが一般的になると、またほしくなるわけです。


　それで、ハイ・ファイ（高音質）に対する、
　ロー・ファイ（低音質）の音楽がでてきたりします。

　つまり、ロー・ファイ音楽は、音のスペックよりも、
　音の「質」、「雰囲気」にこだわった音楽と言えると思います。


　クインシー・ジョーンズのエンジニアは、
　一度、テープに入れていから、その後、デジタルにして編集する、
　というやりかたをしているらしいです。
（これは、ハイファイの中での、「質感」の取り入れですね）


　デジタルが発達してきても、
　アナログの雰囲気を出すのは難しいようですね。


　それでも、デジタルの中で、
　アナログのシュミレーションもどんどん発達していますし、

　最近、真空管という、昔のアンプ方式がヒットしているのも、
　そういう、質感を求めているのだと思います。

　単純に、音を記録するだけ、と言っても、深いものがあります。


　次回は、デジタルとアナログの最終回です。


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デジタルとアナログ その4

（写真 Emulator イーミュレーターは、バンドで使える元祖サンプラーと言えるキーボード、それでも、価格は、約300万円、細野晴臣が持っていた）


デジタルとアナログについて、書いてきましたが、
実は、最終的に聞こえる音は
すべて、アナログです。

当然、デジタル、つまり数字のままでは、
それを保存することはできても、
音として、聞くことはできないわけです。


デジタル・データをアナログの電気信号にして、
音として聴こえるようにするには、

D/Aコンバータ

というものが必要になります。


つまり、

D（デジタル）をA（アナログ）にコンバート（変換）

する装置です。


このD/Aコンバータ、値段もピンからキリまであって、
出てくる音のクオリティも、もちろん違ってくるわけです。


これとは逆に、アナログをデジタルに変える装置もあります。

A/Dコンバータ

です。


パソコンに音を取り込む時に使う、
オーディオ・インターフェイスというものが、
この機能を持っているわけです。


アナログ電気信号をデジタル情報に変えることを

サンプリング（標本化）

と言います。


サンプリング機能を持った、キーボードを
サンプラーと言います。


前回、お話しした、44,1kHz（サンプリング周波数）というのは、
このデジタルに変換することを
どれぐらいの細かさでやるか、ということを表しています。


44,1kHzは、kが1,000なので、言い直せば、441,00Hz です。
1秒間に、441,00回の細かさで、
デジタル変換をしているということになります。


前に、周波数（フリーケンシー）の話をしましたが、
この場合は、音の周波数とは、また違います。

けれど、無関係ではなく、44,1kHz の約半分の音の周波数、
20kHz（人が聴こえると言われる最高の音の高さ）まで、
記録することができると言われています。


けれど、実は人は、20kHz以上の音が聞こえるということがわかっていて、
最近では、98kHz や196kHz のサンプリング周波数を見るようになってきました。

なので、CDのサンプリング周波数も上がるという話もありますが、
（実際に、98kHzで録音したCDも発売されているようです）
ほとんどの人にとっては、そこまでのクオリティは求められていないように思います。

そのあたりに関しては、また次回に。



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デジタルとアナログ その3

（写真は、元祖サンプラーのフェアライトCMI　当時の価格は約1200万円
　アート・オブ・ノイズが使ったオーケストラ・ヒットの音色が有名）


　今回は、デジタル（DIGITAL）です。


　デジタルは「数（DIGIT）」である、と言いましたが、
　電気を数で数えるって、どういうことでしょう？

　ちょっと、難しそうですが、
　いっしょに考えてみましょう。


　電気で信号を送ろうとする時、
　電気のオンとオフという2つの状態があります。

　例えば、2つの電球をイメージしてください。
　これで、いくつの情報を送れるかと言えば、
　○→点いている（オン）　●→消えている（オフ）として、

　○○　　○●　　●○　　●●　

　と、4種類の情報が送れます。



　では、3つの電球ではどうでしょう？

　○○○　　○○●　　○●○　　●○○
　●●○　　○●●　　●○●　　●●●

　と、8つの情報が送れます。
　電球2つの時の倍になっていますね。



　4つになると、16種類。
　5つになると、32種類。
　6つになると、64種類。
　7つになると、128種類。
　8つになると、256種類。

　と、電球が1個増えるたびに、倍の情報が送れるようになります。


　シンセなどの音色数が、16→32→64→128　という数で増えてきたのも、
　MIDIデータが、例えばボリューム最高の値が
　127というなんだか中途半端な数になるのも、
（0が入るので、127が最高になって、全部で128段階）
　こういう電気の数え方（2進法といいます）のせいだったんですね。


　この電球1個が、コンピュータでは、1ビットになります。
　8ビットでは、256の数が扱えるわけですね。


　デジタル・オーディオ（サンプリング）で、
　音質の決め手となるのが、このビット数です。

　サンプラーなどは、
　8ビット　→　12ビット　→16ビット

　と進化してきました。

　8ビットと16ビットは、単なる倍ではなく、
　ものすごい数の違いになることがわかりますか？


　ちなみに、CDの規格は、

　16ビット　44.1kHz（サンプリング周波数）

　となっています。


　次回は、デジタル録音のもう一つの決めての
　サンプリング周波数について、説明してみたいと思います。



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デジタルとアナログ その2

（写真は、テクノ系に今でも人気の高い
　ローランド JUNO106、DCOタイプのデジアナシンセ）


　アナログとデジタル、
　わかっていそうで、いざ説明するとなると、むつかしい言葉です。


　大きな意味で言えば、

　アナログは「量」、デジタルは「数」、です。


　電気は普通、「電力量」のように「量」で表します。

　これはつまりアナログです。
　
　そして、電気を「数」として、処理するのが、デジタルなのです。

　つまり、電気をいったん数字にして、
　処理したり、記録したりするのが、デジタルです。



　まず、アナログ・シンセから説明します。

　オーソドックスなアナログ・シンセは、
　基本的には、次の3つのパートからできています。


　VCO（ボルテージ・コントロールド・オシレータ）
　→発振器、つまり、音を出すところ

　VCF（ボルテージ・コントロールド・フィルター）
　→フィルター、音色を加工するところ

　VCA（ボルテージ・コントロールド・アンプ）
　→アンプ、音量を加工するところ


　アナログ・シンセは、電圧（ボルテージ）でコントロールするために、
　VCという文字が入っています。


　コンセントの電気は、かならずしも一定ではないために、
　ピッチ（音程）が揺れたり、
　また、シンセ本体があたたまってきたら、
　ピッチが高くなったりしました。

　それを解決したのが、オシレータの部分だけをデジタルにした、
　いわゆる、デジアナ・シンセです。

　このシンセの場合、オシレータ、つまり、発振器は、

　DCO（デジタル・コントロールド・オシレータ）

　と呼びます。


　けれど、音程の不安定さは、アナログ・シンセの
「揺れ」や音の分厚さといった長所にもなっていたわけです。

　ただ、アナログの発振器より、デジタルの発振器の方が、
　安く作ることができたみたいで、
　このあたりから、シンセというものが、
　身近なものになってきました。

　次回は、デジタルについてです。



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デジタルとアナログ その1

（写真は、その後のシンセの規範となったアナログシンセ、ミニ・モーグ。
　その音の太さで、現在でも中古市場で高い人気を誇る）


　最近は、デジタル・シンセという言葉は
　聞かれなくなりました。
　なぜなら、最近のシンセは、
　ほとんどデジタルだからです。


　バーチャル・アナログシンセ
　というものが最近出てきました。

　アナログシンセをデジタルで再現した、というシンセです。


　デジタルシンセというのは、
　例えば、初期のデジタルシンセのDX7では、
　全部のパラメーターを数値化して入力するので、
　シンセの音作りの構造がわかっていないと、
　音作りが難しかったのです。


　その点、昔のアナログ・シンセは、
　つまみをクルクルと動かすことにより、
　直感的に音作りができたわけです。

　なので、バーチャル・アナログ・シンセというのは、
　そういう、直感的に動かせる
　ツマミなどをつけて、
　さらに、音もアナログシンセっぽく、したシンセ
　という風に言えると思います。
　

　ところで、アナログとデジタルって、
　今さらなんですが、違いがわかりますか？

　
　これから何回かに渡って、
　基本知識として、

　デジタル
　と
　アナログ、について

　自分で頭を整理する意味も含めて、
　書いていきたいと思います。



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シンセことば No.2「MIDI ミディ」

　DX7出現以降、MIDI（ミディ）という規格が
　スタンダードになったという話をしてきましたが、

　今回は、MIDI（ミディ）というものがどういうものか、
　書いてみたいと思います。


　写真は、YAMAHAのMO6の背面のMIDI端子です。

　右から、IN、OUT、THRU と並んでいるのがわかりますか？

　その左横は、USB端子です。
　コンピュータに直接つないだり、
　USBメモリでデータを管理したりします。

　
　MIDIは、

　MUSICAL INSTRUMENTS （楽器同士を）
　DIGITAL（デジタルで）
　INTERFACE（つなぐ）

　の略です。


　つまり、音楽の情報を、言葉に変えて、情報としてやりとりします。


　MIDI OUT は、そういった情報を出力します。

　MIDI IN　は、情報を入力するところ。

　MIDI THRU は、INから入って来た情報をそのまま出し、別の楽器などに送ります。



　さて、その言葉（情報）って、どういうものかと言えば、

　例えば、演奏情報としては、

　NOTE ON（鍵盤を弾く）、VELOCITY（強さ）、NOTE OFF（鍵盤を離す）

　他に、コントローラーの情報、

　サステインペダルを踏む、離す、モジュレーションを上げる、ピッチベンドの情報、
　アフタータッチの情報

　などが、デジタルの言葉でやりとりされるわけです。



　時間軸にそって、それを記録していくのが、

　MIDI シーケンサー　です。


　音を録音するのではなく、データを録音するので、

　○後で、テンポやキーを変えることができる
　○リズム感が悪くても、タイミングをそろえたりできる。
　○鍵盤が演奏できなくても、ひとつづづ音を入れたりできる。
　○間違っても、その音だけ直したり、消したりすることができる
　○音色を差し替えることができる

　など、音楽制作には便利です。


　他に、MIDI タイムコードというテンポ情報もあります。

　リズムマシンなどと同期（つまりテンポをぴったり合わせる）させたり、
　コンサートでは、照明と音楽を同期させたりするのにも使われました。
　

　コンピュータとシンセをつなぐ時は、
　MIDI インターフェイス、という機械が必要になります。

　けれど、最近は、それがキーボードなどの本体に内蔵されている場合も多いので、
　USBコードで、直接、パソコンとつなげば、
　パソコンのシーケンサー・ソフトに入力することができます。

　けれど、ドラバーソフトをインストゥールする必要があったりと、
　パソコンが苦手な人は、いろいろと苦労することがあります。


　キーボードを使いこなすためには、
　特に、音楽制作などをしようと思っている人は、
　このMIDIの知識をある程度知っている必要があります。

　最近は、MIDIを使わない音楽制作のやりかたも出てきてますが、
　今のところ、まだ知っておく方がいいことだと思います。

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シンセことば No.1 「フリーケンシー （Frequency）」

　新しいシンセサイザーを買っても、

「説明書がわからない言葉だらけ」

　で、さっぱりお手上げという話をよく聞きます。

　そこで、

　シンセの説明書に出てくる専門用語、いわゆる「シンセ言葉」を
　できるだけ、わかりやすく、説明しようかなと、
　このコーナーを始めました。


　まずは、「フリーケンシー（Frequency）」
　ちゃんと発音すると、「フリークェンスィー」でしょうか。


　聞き慣れない言葉は、脳が「やめてくれ～」状態になりますが、
　そういう場合は、冷蔵庫の甘く冷たい飲み物でも一口飲んで、
　また、もどって来てください。


「フリーケンシー」は日本語でいうと「周波数（しゅうはすう）」です。


　ここで、また冷たい飲み物OKです。



　で、「周波数」というのは、音楽では、１秒間に空気が揺れる回数です。

　空気が揺れると、音になります。

　音の高さは、Hz（ヘルツ）という単位で表します。


　1秒間に1回揺れると、1Hz（ヘルツ）

　1秒間に100回揺れると、100Hz（ヘルツ）

　1秒間に1000回揺れると、1000Hz（ヘルツ）または、1KHz（キロヘルツ）

　になります。


　ちなみに、人間が聞こえる音の幅は、
　一般的には、20Hz～20,000Hz（20kHz）と言われています。

　歳をとったりすると、とくに高い音が聞こえにくくなります。

　
　大丈夫ですか？

　鏡を見て、頭から煙が出てる人は、休憩してくださいね。

　シャワーを浴びてきてもOKです。


　シンセの言葉には、この「フリーケンシー」がよく出てきます。



　とにかく「フリーケンシーとは音の高さ」と、

　ここでは、覚えておいてください。


　次回は、このフリーケンシーという言葉の入った機能を説明していきます。

　お楽しみに。

（写真は、Logic Studio のモノフォニックのソフトシンセ。
　こんなシンプルなもので音づくりの練習をするといいと思います）



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