構想画

。過去のブログ「構想画の始まり」を参照していただきたい。

構想画が」「唯一の具象絵画の生き残り」であるように思う。制作理念である「主題性」へのこだわりがない。近代絵画の終わりに生じた異端である「観念的絵画」（観念アートではない）に洗礼を受けた現代作家にとって、制作欲のはけ口に選んだ絵画手法は「構想の自由」であった。

私が絵を描き始めたばかりの時に出合った当時、山口大学教育学部助教授であった山本文彦先生の大学の研究室で制作されていた「構想画」は、何ともビギナーであった私に衝撃的な主題であった。１９６０年～７０年は学生運動真っ盛りで、当時から自民党が民主主義も無視した政治でアメリカ追随の安全保障で、右も左も引っ掻き回した日本の状況が、度々絵画の制作主題にも影響を与えた時代であった。

先生の作風にも暗い権力的な力が現れて、当時左寄りであった高校生であった私には胸に熱いものを感じていた。（先生は右でも左でもなかった）先生の研究室を訪ねると常に絵筆を持った状態で、いろんなことを教示してくださる姿に、そのまま引き込まれて、今日なおその制作態度が影響していることに感謝している。

。

１９８７年８月のサイン。真夏の「太平洋高気圧」が主題だ。子供の頃の夏を思い出して描いた。油彩Ｆ４号（２４ｘ３３ｃｍ）　しかし、何一つ参考となる実際はなく、思い付きであり、自然の法則を無視することが制作の理念だ。　自家製のカンヴァスで白の地塗りだが、細かな亀裂が入ってしまった。地塗りの中の膠の具合が悪かったのだろう。夏場には膠が腐りやすく、亀裂の原因となる。

 

年紀はないが、おそらく８７年だろう。この頃盛んに構想に明け暮れた。経験上の記憶から発想された世界の、参考となる写真や実際があるわけではなく、それらしく描いて見せることが「楽しさ」だった。油彩Ｆ４号カンヴァス（２４ｘ３３ｃｍ）

１９８７年板に油彩（１６ｘ１６ｃｍ）この頃から「生と死」に関する主題が増える。

私の構想画には画面の大きさという問題点があって、小さくても６０ｘ８０ｃｍくらいの画面に描くべきだろうが、モチーフが小さく描かれて、時間がかかるようになるだけとも・・・・思える。

次の作品はケント紙にペンと黒インクで描かれた南洋の森に死ぬことをイメージした。２60x365mm

２００７年「森に死す」は一度６０ｘ８０ｃｍの板に描かれ始めて、頓挫。東京から島根に引っ越してきて、今となっては行方不明になっている。またその内、描き直すだろう。

 

２００８年「デスティネーション」パネル仕立てのkent紙にペンとインク（260x365mm）このままの状態で半世紀も置けば、紙は黄ばんで見えが悪くなる。パネルから外して、中性紙を用いて額装するのが良い。

 

写生画

写生は「在るものを在るがごときに描く」ことだ。絵を描くことを始めた時には、この写生から入る。うまく描けるように上達する方法は石膏デッサンが最も手ごろな方法だろう。だからモチーフの石膏像は優れた彫刻科による作品であって、像を「それらしく描き写すこと」だから、描いているうちに何とか上手くなるだろう。しかし石膏像が上手く描き写せたところで、人物画がうまく描けるようにはならないので、それはそれで修練が必要だ。その修練は、何となくやっていれば上手くなりはしない。どうすべきか目標を立てて、先人のデッサンを見習うのが一番だろう。

その内、デッサンは写生から始まって、より高度な次元でモチーフの形や質に魅力を感じて描く方法が求められることに気が付く。写生は決して写真的に描くことではないことは、これまでにも何度も述べてきたが、モチーフに対して洞察と感性で描写を行うのであって、リアリティはモチーフの現象に近づくことではなく、「存在感」に近づくことである。

今回、取りあげた作品は静物画であるが、私にとって気まぐれに近い表現であることに違いない。と言うのも、静物画は練習（習作）であって、モチーフの質感や魅力を描くことで、自分の好きな構想画に生かせると思うからだ。

写生画に取り組むようになったきっかけは東京造形大学時代の先輩、青木敏郎氏に感化されてのことで、彼が卒業後ベルギーに旅発った時には、中途退学して、彼の背中を追いかけたほど、彼の絵画の学び方に習っていたほどである。おかげでブリュッセル王立美術アカデミーが授業料を免除していた時代に間に合ったことはラッキーであった。二年後からいきなり外国人は年間２万フラン（当時１４万円）となり、免除の嘆願書を書いたのを憶えている。（一年だけ免除となったが）

青木氏と競争するように人体デッサンを重ねて、年間千枚を達成させるほどであった。おかげで当時かなり人体描写は上達したが、青木氏は当時から「金持ち相手に絵を売る」と現実的な生活設計で将来像を描いていたので、自分なりの方向性とはたもとを分かつことになった。私がドイツへ留学先を変えて、「絵画修復保存」を学んで生活設計としていようとし始めてニュールンベルグのゲルマン民族博物館に学ぶようになってから、人体デッサンが上達しなくなったのだ残念であった。８年に及んだ留学から帰国した当時、すでに青木氏は売れっ子の新進気鋭の静物画家になっていた。次の作品は私の帰国後随分後であるが、青木氏に対抗して、この程度は描けると試した一点である。８７年には修復業の合間に「構想画」を描き始めていたので、筆安めであっただろう。

１９９０年に３か月ばかりかけて描いた。瓶の中のナツメの焼酎付けが上手く描けなかったが、どれほど苦労したかは覚えていない。反面、意外とうまくいったのはガラスの器で、何となく光るとそれらしく見えるのだ。Ｆ１５カンヴァス（６５ｘ５３ｃｍ）こうした作品に見慣れていない人は「まるで写真の様」と言われるが、作者にとって決して「誉め言葉」ではない。描く側には、目に映る感性の独自性が求められているのです。

実際の画面はもっと黄色っぽく、ぼんやりとしているのが売りだ。写真の撮り方は一向に上手くならないから、現物を見る機会があれば幸いである。

撮影が悪く左下に照明の反射が入る。私が来ていた白いシャツの反射も出ている。色彩の再現性も悪く、鑑賞に堪えないが・・・・。

 

次の作品はまた時間が経っているが１９９５年に文部省在外研究の資格をもらって、ロンドン大学コートルド研究所で客員研究員として滞在している時に、描いたもの。４６ｘ３６ｃｍ　カンヴァス地のカードボードを板にマルフラージュ（貼り付けること）。

丁度、スーパーで大きな柘榴（ざくろ）を売っていたので、描いてみた。また最近、友人の庭に出来た枝付きのザクロをたくさんもらったので、いくつか描いてみたい。こうしてみると構想画が上手くいっていない時、つまりスランプ状態の時、気休めに写生画を描くのは悪くないかもしれない。

今日はこんなところで、よかろうかい！！チェストー！！

 

７６年のデッサン

毎度、写真の撮り方が悪い。黒い部分は画面一杯に映せるということで、無駄を繰り返している。照明はＬＥＤランプ１００ｗ4灯で少し白い紙が明るく見える。ここに掲載しているデッサンは木炭紙ＭＢＭ（６６ｘ５０ｃｍ）の大きさ。ブリュッセル王立美術アカデミーで夜間デッサンクラスで描く一方で、自宅では休みの日には自画像を描く一連の習作の一つだった。今と違って痩せた肉体に安井曽太郎や中村不折がエコール　デ　ボザールで人体デッサンに挑んだ描き方を真似てみた。風邪をひかない夏であったと思う。もう少し顔をリアルに描けばよかったと思う。当時２４歳。

これら以下のデッサンはアカデミーの夜間クラスで描いた習作である。週5日で45分ポーズ15分休みで毎夜2ポーズあった。当時、授業料は無料で勉強させてもらった。有難かった。

デッサンするときは、観る時間5分に対し、描く時間20秒ぐらいである。（６６ｘ５０ｃｍ）観察して形を覚えてから描く。形は少し誇張されている。

 

 ブリュッセル、76年の3月18日と書かれている。体格の良いオランダ系ベルギー人の女性。体の各部にメリハリがあって良かった。

 

 肌の浅黒い中近東系の彼のペニスは包茎カットがされていて、皆が言うには、彼は子供のころ割礼を受けたユダヤ人だと・・・。浅黒く毛深い感じが描けただろうか？

 

 

多くを線で形作ることが出来るようになったのは、人体の形の特徴が見えてきたころだろう。

 

何故時間がなかったような描き方なのか？わからない。

 

鼻をもう少し小さく描けばもっと美人に見えただろう。実際に彼女はモデルさんとしては飛び切りの美人だった。

 

たまにはこうしたコスチュームもデッサンの修練には良い。サンギーヌに白チョーク。

 

 

上のコスチュームの女性と同じモデルさん。体の細い四肢が美しい人だった。

 

 

水彩紙にサンギーヌ。

 

ベルギーでは多くの男子のモデルはサポーターで局部を隠している。

 

始めたばかりの頃であったか？腰のパンツがいけない。

 

この彫刻デッサンは帰国後の82年頃だと思う。実物を見て描いたのではなく、写真を見て描いた。中途でやめて、画面を定着させていなかったために、画面の木炭が摺れて落ちている。30歳にしてまた石膏デッサンをしてみる気分は・・・。日本での経歴にコンプレックスがあったのだろう。

画学生時代のデッサンの公開はこのあたりで終わることにするが、現代アートを信奉しない理由が分かってもらえたであろうか？観念的で実感がない世界より、実感や主観に生きる方が「生きた心地」があるというものだ。

紙一枚、鉛筆一本で何かを表すことは、洞察力と感性を磨く方法を磨くことで、かつての巨匠たちが信じてやまなかった競争原理で生きる表現方法だった。自分の力を磨くことで、観る側に伝わる方法を選択すべきであって、個々人によって解釈の違う観念で表す表現方法である現代アートは、表現のコンセプトが伝わらないと「評論家の言葉」を借りて、自分を主張する。これは「美術」とは言えない方法であるにもかかわらず、美術館で展示したがり、弱い人間のコンプレックスを感じる。現代アートは世界中に蔓延しているが、行き詰まりを感じる。その内、描写によって表現する美術が復権するだろう。

しかし、美術愛好家の好みを描く大衆迎合的なモチーフを描く職業画家もいなくなることはないだろう。また、一度日展に入選したくらいで、県の美術展の審査委員を務めたりする閉鎖的旧習も当分なくならないであろう。私はどちらも興味がないから、自分のスランプと戦って自分の中の「真実」を取り戻すだけだ。

次回は色付きの絵で、未公開作品を取り上げることにする。

 

 

 

没頭する

いろいろある中、亡き父がお世話になったふたいとこにお礼を言いに行ったら、私のブログをいつも読んでいると言われた。スランプが続いているのを気にしてくれていた。ついでに「没頭していないのね・・・」と言われて、がつんときた。

そう言えば、没頭という言葉は縁遠い自分になっていて、高価で簡単に手に入らぬ時間と空間が必要だとおもえる。お金持ちであったなら、猫の世話や掃除や食事の用意を頼んで・・・・絵を描くのに「没頭する」ことが出来るだろう。しかし学生時代はお金などないから・・・・物欲もなく、絵を描くのに没頭していた。３，４日食事も寝ることもなく絵を描き続けたこともある・・・・疲れてパッタンとその場に倒れて、気が付いたら翌々日であったりして。長時間描き続けることが出来るというのは、作品の完成がハッキリしていたということで、視覚的イメージがあって、それに近づくまで描き続けるのが没頭だ。

やはり今、独身で・・・猫に向かって「おーーい、お茶！！」なんて・・・「人の話、聞いていないな・・・」「何？日本語が分からねえ！！」「授業料出してやるから、学校行って勉強して来い！！」で、虚しい。葛飾北斎は自分の娘に「おーーい」という名前を付けて「おーーい、お茶」なんてね。何でもかんでも娘に「おーーい」と言えたから、工房の弟子たちの世話から、ビジネスマネージャーまでこなして、彼は制作に没頭できたのだ。

私も「娘」が欲しかった。今となって遅いが、結婚すればよかったと思う日本女性が居た。アメリカの製薬会社の日本法人の社長秘書をやっている人で・・・・初対面でびっくりの美人だった。「こんなにきれいな人が自分に・・・・」と思ったが、一緒に食事をしながら、とにかく違和感のない人で、ずっと昔から知り合いで、付き合ってきた人のように感じた。それが、今となって一番大事であったのに、その時は衝撃的な出会いを求めていたのだと思う。そして彼女は美人過ぎて、面食いだと思われるのを避けたかった・・・・まあしかし美人であることより、大事な自然な関係を一番としなかったことが、家庭を作り出さなかった原因である。

彼女との間に「娘」を一人。名前を「おーーい」なんて付けて。

そろそろ現実に戻る。

絵が描きたくなってきた。スランプは終わりに近い。描き始めれば瞬間的にでも没頭するに違いない。