「現代美術をどう見るか」 「李禹煥 余白の芸術」展レクチャー 横浜美術館 9/23

横浜美術館レクチャーホール（横浜市西区みなとみらい）
アーティトが語る1　「現代美術をどう見るか」
9/23　15:00～16:30
講師　李禹煥氏

「李禹煥　余白の芸術」展の関連事業である、李本人による「現代美術をどう見るか」というレクチャーです。場所は、もちろん展覧会の会場である横浜美術館のレクチャーホール。客席はほぼ満席です。随分と活況を呈していました。

内容は、西洋美術史の批判的概観から、現代美術へのつながりと問題点を、自作の引用を交えながら簡潔に述べていくものです。李は全く原稿を読まずに、殆ど一気呵成に話を進めていましたが、時には冗談を交えながら会場を笑いに誘います。質疑応答を含め、講演時間は約一時間半。氏が持つ美術への厳しい眼差しや、制作の根底にある意欲も垣間見ることが出来る、有意義な講演会でした。早速ですが、以下、いつもの通りレクチャーの内容をまとめてみます。

現代美術がはらむ問題

・「現代美術」は「現在進行形」
　　価値が定まらない。
　　現代美術は果たして「美術」であるのか。
　　専門的な領域において「それらしいこと」をしているが、確信的な理論は不在。
　　一部のエリート的な層だけが「分かったふり」をしている側面
　　　→特定の層の驕り＝ジャーナリズムとの結託
　　大方の一般的な反応は「わけが分からない。」
　　　→正直な反応であり、また見方でもある。（自作についても良く言われること。）
　↓
　何故現代美術は「意味不明」なものなのか？
　　＝西洋美術史から考えてみる。

西洋美術史の流れと現代美術

・美術の根源としての「古代」
　　神々の時代
　　　封建的・宗教的なものの絶対的地位にある者の優位性
　　　→大勢はそれに無条件に従う。
　　　　　モノ（美術）を見る目を持っているか否かは問題外

・信仰の「中世」
　　信仰のための美術＝聖書の題材に基づく絵画など。
　　教会の強い権威
　　　→権威による一般大衆への「啓蒙」としての美術（半ば相互了解的に。）

・観念的な「近代」
　　封建社会から産業社会へ
　　　人間とモノの拡散（大陸から大陸へ。）＝時間と空間の世界的短縮
　　　都市化・産業化による生活の変化
　　　イデオロギーの登場→後の帝国主義へ。
　　　神よりも人間が優位＝ヒューマニズムの誕生
　　↓
　　産業社会は美術にも多大な影響を及ぼす。
　　　絵や彫刻の世界的展開
　　　受け手としての「ブルジョワ」が誕生
　　　絵画の主題は神から人間へ。
　　
　　帝国主義・植民地主義時代
　　　一つの考えが普遍的な力を持って世界を覆う＝観念の優位
　　　ある意味で閉ざされた共同体
　　　　→絵の主題も次第に内面的なものへと移る。
　　↓
　　抽象画の誕生
　　　特定の人間による特定の人間のための芸術世界＝「芸術家による芸術家のための」
　　　閉鎖的な空間と外部性の欠如＝芸術家の頭の中で構成（コンポジションなど。）
　　　分かる人にしか分からない美術→「芸術は難解」というイメージ
　　　　→ピカソやマティスは、ジャーナリズム等によって「解説」されることで初めて理解され得る。
　　　　　
・混迷の現代
　　第二次世界大戦以降
　　　芸術家による閉鎖的な空間と、特定の層による知の独占の崩壊
　　　植民地主義とは異なったグローバリゼーションによる異文化の混合
　　　主人のいない大衆の完成＝多様な人々の寄り合い
　　　特定のイデオロギーの力の喪失　　　
　　↓
　　多種多様な考えが可能となった現代美術へ
　　　閉じられた空間（キャンバスや彫刻）からの解放＝素材も多様化
　　　モノを作ることよりも、モノを寄り合わせた「新たな場」を作る。
　　　芸術家の内面の露出だけではなく、外との関わり合いを重視＝「作品の外部性」と「外との対話」

「関係項」（李禹煥の彫刻作品）から考える現代美術

・鉄板と石の組み合わせ
　　石：長い年月を経て生まれて来た＝自然
　　鉄板：石の成分を加工して作られる＝産業社会に生きる者としての自覚
　　　→兄弟でもあり親子。対立的には捉えない。

・作品における質感と構成
　　極めて重い石から重量感を削ぐ。
　　薄い鉄板を紙のように置いてみる。
　　鉄板を合わせる際は、なるべく支え合い、寄り添うかのように並べる。＝自主性を持たせない。
　　石は少し起こすように置く。＝石に動きを与える。

・作品から何が見えるのか
　　モノ同士の反発や融合
　　寄り添ったり離れたりの繰り返し＝流動性
　↓
　「これ」と言った美的解釈や特定の意味を提示しない＝「一種の実験」
　　フォルムや色など、近代美術の重要な構成要素を超越させる。
　　作品外部の空気を作品へ作用させたい＝作品の境界を曖昧に。
　　「何だろうこれは。」という、見る者の素朴な問いを呼び込む。

現代美術の曖昧さと無限の可能性

・現代美術の表現
　　作品の意味をあえて提示しない。
　　素朴な疑問点をそのままさらけ出す。
　　美術の仕組みからの解放＝日常性への回帰
　　バーチャル（映像等）な世界へも進出＝身体性を切り離す。

・現代美術を超えて（問題点とともに）
　　美術の枠を崩すことによる混乱
　　「高度な精神世界」が体現されているのか、そうでないのか。
　　モノを介在させない美術の問題
　↓
　誰も分からない美術の行く末

以上です。現代美術がはらむ問題やその意義と、それに関連する氏の自作へこめる思い。「ようやく最近になって、元来やりたかったことが出来るようになった。」とも仰られましたが、まさに「余白」とその周囲が主人公である展覧会と、今回のレクチャーを合わせて見聞きすると、氏の近作での、ある意味で「過激な表現」に納得させられます。如何でしょうか。

「余白の芸術展」の関連事業としては、11月13日に、李禹煥と菅木志雄氏による「もの派とその時代」というディスカッションが予定されています。こちらも出来れば聞いてみる予定です。

＊8/28に開催された、美術館学芸員柏木智雄氏による、「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」のレクチャーの記録はこちらへ。「その1」、「その2」。

「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」 横浜美術館 8/28 その2

横浜美術館レクチャーホール（横浜市西区みなとみらい）
「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」
8/28　15:00～16:30
担当講師　柏木智雄氏（横浜美術館主任学芸員）

先日の「その1」の続きです。

「点より」・「線より」から「照応へ」

・「点より」（1975年）
　　タンポンに岩絵具を浸し、左から右へと打っていく行為を繰り返す。
　　徐々に絵具がかすれていく。
　　紙や線は基本的に使わない。
　　にかわで延ばされた岩絵具。
　　一回性の点の跡。その連続
　　=「一筆一画」：塗り重ね、描き直しを許さない姿勢
　　↓
　　1970年代の作品
　　　点と線を中心にした作品群：カンヴァスの中で呼応し合う点と線
　　↓
　　1980年代には規則的な点と線が乱れていく
　　↓
　　その後、点とも線ともつかない表現へ　
　　　例）「点・線より」（1982年）など=縦、横、規則性も崩れていく。

・「風と共に」（1990年）
　　大自然の中で、強く弱く吹く風のような表現。
　　風という自然に作者の身体が呼応するかのよう。
　　↓
　　「一回性」のものがより自由に伸びやかに。
　　反復と線や点の呼応がズレていく=「余白」の重要性へ
　　面的な筆跡が重ね塗りされていくようになる。
　　　=かすれていく点や線が、堆積していく面へ。
　　　　例）「風と共に」（1991年）：大きな余白に筆跡が二つ。

・「照応」（2003年）
　　大きな余白と面的な筆跡。静謐感。
　　余白が外部ではなく中心となった存在感。

今回の展覧会について

90年代以降の作品群を概観=「余白の芸術」　
　会場レイアウトは李自身による。
　高さ3メートルの超大作「関係項-鉄の壁」（2005年）
　問題提起的作品「関係項-6者協議」の出品
　　いわゆる北朝鮮問題への政治的メッセージか。
　　李自身はこれまで積極的に政治活動に携わってきた。
　→そのメッセージが初めて作品化した。

以上です。レクチャーは、スライドで作品を見ながら進行していたので、かなり分かりやすかったのですが、このブログではそれがかないません…。ゴチャゴチャとしてしまったことをお許し下さい。

私は李禹煥の作品から湧き上がる静謐感や、その確固とした存在感そのものに強く惹かれるのですが、レクチャーを聞くと、彼自身の厳しい問題意識の読み取りも重要になってくるのかと思います。今回の展覧会は「余白の芸術」ということで、より伸びやかで穏やかな近作が中心となるようですが、「関係項-6者協議」に見られるような、ある意味で李の根源的な意識が作品化したものも出品されるということで、賛否両論を巻き起こしそうな展覧会となりそうです。

レクチャーでは李の思想へ深く切り込むということはありませんでしたが、作品や作家主体というものよりも、それを取り込んだ全体性（あくまでも開放的な。）を重視する彼の考えは、「もの派」を理論付けた論客としての存在意義が強く感じられると思います。23日の祝日には、李本人が美術館で語るイベント（仮題「現代美術をどう見るか」）が予定されています。こちらも聞いてみるつもりです。

「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」 横浜美術館 8/28 その1

横浜美術館レクチャーホール（横浜市西区みなとみらい）
「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」
8/28　15:00～16:30
担当講師　柏木智雄氏（横浜美術館主任学芸員）

今月の17日から横浜美術館で「李禹煥　余白の芸術展」が開催されますが、先日、その展覧会の関連事業の「90分でちょっとのぞいてみる李禹煥の世界」と題された、学芸員の方のレクチャーを聞いてきました。

レクチャーの主旨は「李の世界をのぞく」ということで、彼の作品の変遷を捉えながら、それが今回の展覧会のメインとなる90年代以降の作品へどうつながるのか、また、創作の根本にある李の芸術への意識とは何なのか、さらには今後どのような方向へ歩もうとしているのかなど、様々な観点から幅広く李の世界を理解しようという試みでした。比較的初期のものから近作のシリーズまで、50点あまりの作品をスライドで鑑賞しながら、時間軸に沿って李の芸術を追う。極めてオーソドックスな掘り下げ方ながらも、分かりやすい丁寧なレクチャーだったと思います。

ここではそのレクチャーを私なりにまとめて記事にしたいと思うのですが、何ぶん少々長くなりそうなので、まずは「その1」ということで、李禹煥の創作の原点ともなった彼自身の芸術へ対する批判精神と、初期の「もの派」と言われるグループへの展開を追ってみます。

李禹煥の略歴

1936年　韓国生まれ
　　　　　伝統的な教育を受ける。
　　　　　幼少期にワン・ドンチョから詩と書を学ぶ。
　　　　　　「紙の上に点を打ち、線を引くこと。」→李の創作の原点でもある。
1956年　ソウル大学校中退→日本へ
1961年　日本大学にて哲学を学ぶ。
1962年　日本画を学ぶ。
1969年　日本語による美術評論「事物から存在へ」が入選。その後制作活動も始める。
1971年　韓国代表でパリビエンナーレに参加
　　　　　　その後ヨーロッパを中心に国内外で活躍

李禹煥の制作における問題意識

・西洋美術への批判
　　例1）セザンヌ「ガルダンヌから見たサント=ヴィクトワール山」（1892～95年）
　　　　　何気ない南仏の山々の光景。セザンヌの目を通すとそれが豊かな色彩を帯び、そして新たな形になる。
　　例2）ゴッホ「足の靴」（1887年）
　　　　　くたびれた靴を豊かな質感で描いている。また、靴を履いている人々の営み（労働など）も想像させる。
　　→「見えるもの」と「見えないもの」の狭間を通して、「見えない何か」に気付かせる力
　　　　＝画家が芸術の導き手となる。
　　↓
　　特殊的な才能を持った画家による「見えない世界」の構築＝それが西洋近代美術ではないのか。

・西洋近代価値概念への批判
　　デカルト懐疑主義「われ思う、故にわれあり。」＝人間の主観による世界の認識と構成
　　　→人間中心主義・二元論、主体の絶対性
　　↓
　　西洋文明・文化の進展＝自然破壊、事物の溢れ
　　　事物によって人間が遊ばれているのではないか。
　　　セザンヌやゴッホという「主体」が生み出す西洋美術全体を、批判の対象として捉えてみることの有用性。
　　　人間が際限なくイメージを増幅して作り上げた世界＝近代美術は息苦しくないか。
　　　見ることが絶対的なことなのか。=錯視・ダブルイメージ
　　↓
　　視覚の不確かさを見せる作品の創作
　　　「第四の構成」（1968年）・「関係項」（1968年）など

関根伸夫の影響=「もの派」へ
　
　関根伸夫「位相-大地」
　　円筒形の土盛りとその痕跡となる穴による作品
　　　掘って積み上げるだけの行為
　　　砂の位置が変わっただけなのに、全く違った全体が開けてくる。
　　　物理的移動を最小限にしながらも、その結果としての芸術が圧倒的な姿となる。
　→「もの派」の仕事を理論付けていく
　　　主義、主張によるグループではなく、偶然的に同じような仕事をしていた人たちが集まった。
　　　　李禹煥・関根伸夫・菅木志雄・小清水漸・吉田克郎ら
　↓
　作る行為の絶対性への懐疑、あえて作ることを制限し、空間と物そのものを作品へ取り込む。
　作品と制作者は平等な関係へ=制作者が「主体」とならないように。
　　→その後、李は「関係項」などの制作により、この主旨を作品に実現させる。

関係項

　李の立体作品
　近作ではサブタイトルが付くようにもなった。
　　例）「関係項-サイレンス」（2005年）
　鉄板と石の組み合わせが主流。
　　「鉄板=産業」と「石=自然」
　　　　ただし、鉄板は自然に深く関わりのあるものとして捉えられている。
　　　　=単純な二元論的な視点ではない模様。

「その2」では、李の平面作品である「点より」や「線より」から、近作の「照応」と呼ばれる作品群へどうつながっていくのかについて見てみたいと思います。